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30 diciembre 2009

Feliz Año Nuevo!

A todos los amigos y desconocidos que siguen este blog les deseamos todo lo mejor para el año que comienza, y muchas gracias por compartir la buena música en nuestro primer año.
Los Fabulosos y Auténticos Max y Fernando.

29 diciembre 2009

Titanic...se acuerdan?


Titanic en vivo,  Ginebra, Suiza, 10 de agosto de 2008.

En agosto de 2008 hice un viaje a la ciudad suiza de Ginebra, conocida como la ciudad de los relojes. Es notable el interés que allí existe por la cultura y en especial por la música. En Ginebra se realizan importantes festivales musicales de todo tipo, y en las ciudades cercanas como Montreaux, famosa por el festival de jazz y por la historia del incendio del casino durante un concierto de Frank Zappa que inspiró a Deep Purple para componer “Smoke on the water”. También hay mucha música en Lausana y Vevey, en donde se halla la famosa estatua de Freddie Mercury con el puño levantado y que fuera tapa del disco “Made in heaven” de Queen.
En Ginebra durante el verano se organiza la típica feria junto al lago Leman, el sitio se transforma en un lugar recreativo con restaurantes, bares, juegos y paradas de lanchas turísiticas que recorren el lago.
En una de las carpas restaurantes con cena-show allí ubicadas y ante mi mirada incrédula se presentaba la legendaria banda Titanic…

Titanic fue una banda de rock originaria de Noruega fundada en 1969.
La formación original incluía a Janne Loseth (guitarra y voz), Kjell Asperud (percusión, voz), John Lorck (batería) y Kenny Aas (órgano y guitarra bajo). Más tarde se incorporó al grupo el cantante y compositor Roy Robinson, quien sería un miembro fundamental en la banda.
Su estilo era una especie de rock de los setenta con claras influencias progresivas, folk y hasta de Santana en algunos temas.
Tuvieron algunos éxitos internacionales como “Sea Wolf”, “Sultana” y “Santa Fe”, tanto en Europa como en Estados Unidos, en donde firmaron con la prestigiosa compañía discográfica Columbia. Luego, en su última etapa recorrieron el continente africano con su música…(!) Hasta que finalmente realizaron un concierto de despedida en Chile, en el Festival de Viña del Mar en 1984, ante 80.000 personas.
Con el correr de los años y tocando rock y blues por Europa, Roy Robinson y Janne Loseth se volvieron a encontrar y decidieron refundar Titanic junto a otros músicos, justamente en Ginebra.

Volviendo a aquella noche de Ginebra...Titanic se presentaba en una de esas carpas que incluía cena-show y baile, ante unas cien personas, que exceptuando un grupo de viejos rockeros, no eran precisamente muy entendidas en rock.
Titanic era el grupo animador de la fiesta, tocando un repertorio que en su mayoría eran covers muy conocidos (por no decir quemados) como “Knocking on Heaven Doors”, entre otros “hits o temas que sabemos todos”. De sus canciones tocaron la rítmica “Sultana”, la balada “I See no Reason” y alguna otra que ya no recuerdo. Con un sonido deficiente pero tocando bien y con voces afinadas, el show para ellos fue un trámite.
Cuando promediaba el concierto (o baile), yo avancé hasta el borde de la tarima para verlos de cerca, justo en donde había una barra de bebidas. En seguida el cantante Roy Robinson bajó del escenario y se paró al lado mío en la barra para pedir una cerveza, mientras sus compañeros seguían tocando.
Yo me acerqué para pedirle que tocaran “Sea wolf” o “Cover in dust”, temas que en mi adolescencia me encantaban, pero él me respondió que era imposible tocarlas en este momento por la falta del tecladista, y siguieron con sus covers.
Mientras tanto comenzaron a bajar del escenario sus compañeros en busca de cervezas dejando al baterista que hiciera su solo. Todo quedaba en familia...
Pero el momento cumbre de la noche lo protagonizó el saxofonista Phil Wilton, quien se subió por encima de las mesas y tocando entre la gente, y mesa por mesa, tuvo su interminable y patético momento de gloria. Yo pensaba “trágame tierra”…
Y me fui silvando bajito, caminando bajo la lluvia por las calles de Ginebra y pensando en el triste re-encuentro con una banda que podría ser un mito, pero que lamentablemente en la actualidad son solo sobrevivientes del Titanic.

                                                       Fernando Gonzalez





18 diciembre 2009

El indomable Elliot Smith


Steven Paul Smith (1969 Omaha, Nebraska – 2003 Los Angeles, California), más conocido como Elliott Smith, fue uno de los cantautores estadounidenses de indie pop más sensibles y talentosos de los últimos tiempos.
Residió durante la mayoría de su vida en Portland, Oregón, donde consiguió sus primeros éxitos y tocó durante varios años en la banda de rock Heatmiser.
Sus tres primeros discos como solista, muy lo-fi e intimistas: "Roman Candle" (1994), "Elliott Smith" (de 1995, con la portada con una foto de dos personas saltando desde la azotea de un edificio, deporte que Smith practicó en una ocasión luego de una pelea con su novia) y el magistral "Either/Or" (1997), fueron realizados en los sellos independientes Cavity Search Records y Kill Rock Stars.
Smith llegó al gran público cuando su canción "Miss Misery", incluída en la banda sonora de la película "Good Will Hunting" (en España "El indomable Will Hunting")dirigida por Gus van Sant y escrita Ben Affleck y Matt Damon, fue candidata a los Premios Oscar en la categoría mejor canción original de 1997.
La noche de los Oscar de 1998, más de 200 millones de personas vieron a Smith tal como era y cantando "Miss Misery" vestido de smoking blanco y sin poder hacer nada ante la magnificencia comercial de Celine Dion, quien se llevó la estatuilla dorada gracias a la insoportable canción de "Titanic".
Su actitud muy "indie", hizo que dejara de tocar "Miss Misery" después de los Oscar.
Aprovechando el impulso mediático de "Good Will Hunting", Elliot firmó un contrato con la discográfica Dream Works Records, en donde grabó sus dos mejores álbumes: "XO" (1998) y su obra maestra "Figure 8" (2000), trabajos que lo muestran en todo su esplendor con canciones de altísimo nivel y una producción muy lograda.
Elliott Smith era un personaje complejo y contradictorio, pero también afable e inteligente, creador de canciones con sabor agridulce que alcanzan el nivel de pequeñas joyas. Su música, atemporal, hecha para el alma, intimista y existencialista, se aleja de los clichés típicos de los movimientos musicales de moda. Sus canciones compuestas en su mayoría con una guitarra acústica, y rodeadas de los mejores arreglos pop posibles se caracterizan por el delicado equilibrio entre la ternura acústica de sus melodías y el rugido eléctrico y visceral de algún arreón de guitarra eléctrica; la euforia orquestal mas los arreglos de piano al estilo beatle; y por el sello principal que le da su distintiva voz, delicada y suave, a veces un susurro capaz de emocionar, y otras veces en superposición de capas para lograr bellísimas texturas cromáticas de armonías vocales.
"Me gusta como suena la voz doblada… me gusta porque me hace sonar menos como yo mismo…".
"Debe haber algo de tristeza en la música, para que la felicidad que alberga de verdad importe. Se puede estar triste y contento al mismo tiempo y es ahí cuando me salen mis mejores canciones".
En sus canciones Smith canta más bien al amor posible aunque poco probable, al olvido fugaz y a la soledad eterna. En su vida personal luchó contra la depresión, el alcoholismo y la drogadicción durante muchos años, y estos temas fueron habitualmente tratados en sus letras las que cuentan historias de sentimientos, deseos, miedos y rupturas, sorprendiendo la facilidad de Elliott para manejar las palabras.
Sus problemas de adicción a las drogas y al alcohol lo llevaron a tener serios conflictos con la compañía discográfica, quien le rechazó en un par de ocasiones el póstumo "From The Basement On A Hill" (2004).
En aquella época Elliott ingresó en un centro de desintoxicación de Beverly Hill para realizar un severo tratamiento contra las drogas, y al salir, casi todo el dinero que tenía lo invirtió en un proyecto de caridad: la "Fundación Elliott Smith Para Niños Maltratados".
Pero la historia cuenta que la noche del 21 de octubre de 2003, él decidió quitarse la vida hundiéndose un puñal en el corazón, dos veces...Tenía 34 años.
Las circunstancias de su muerte no fueron totalmente esclarecidas en la autopsia.
Tal vez las razones del final ya están escritas en "New Moon", un álbum-legado de rarezas y descartes de canciones escritas entre 1994 y 1997.
Era un músico fascinante, totalmente singular. Era un genio agridulce, ambiguo, pero genio. Hoy es un mito, otro más...

"Es tan raro esto de vivir de cantar canciones...Yo sólo hago lo que yo hago. Si tuviera que definirlo de algún modo diría que es música interior. No sé lo que es, pero ahí está... adentro. Y ahí estoy yo".

                                                          Fernando Gonzalez




13 diciembre 2009

Storm Thorgerson & Hipgnosis, la imagen de Pink Floyd


Storm Thorgerson & Hipgnosis

Storm Thorgerson (1944 - Potters Bar, Hertfordshire) es uno de los diseñadores gráficos más interesantes y conceptualmente desafiantes en el lenguaje visual del rock, reconocido por ser miembro del grupo de diseño artístico Hipgnosis, en donde creó algunas de las portadas de discos más famosas de todos los tiempos. Sus diseños más conocidos fueron los que realizó para Pink Floyd, y en particular para su obra conceptual “Dark Side of the Moon”.
Inspirado en las vanguardias del Siglo XX ha desarrollado una obra y un estilo personal basado en escenas impactantes, a través de montajes visuales en donde poderosas imágenes surrealistas llenas de belleza se ubican en inmensos espacios oníricos, a veces mezclados con una realidad absurda.

Con Hipgnosis, grupo que integraba junto a Aubrey Powell y Peter Cristopherson, se especializaron en el arte y diseño para portadas de álbumes de artistas que van desde Pink Floyd, Led Zeppelin, Genesis y Peter Gabriel, hasta The Mars Volta, Muse, Audioslave y The Cramberries, pasando por AC-DC, Dream Theater, Alan Parsons, Black Sabbath, Yes y muchos más.
Sus imágenes, verdaderas obras de arte, se han convertido en íconos que se identifican como sello distintivo de esas agrupaciones musicales.


Según Thorgerson, es importante el contacto directo con la banda y su música: “Esencial. Es esencial siempre conocer a la banda o a los músicos, y siempre es esencial escuchar la música y verlos tocar, si se puede.”
''Nuestros diseños son una especie de eco de lo que hacen los músicos…Como un músico, yo también de alguna manera realizo una actuación. No lo es para los oídos, sino para la vista. Aunque en mi caso eso siempre va a depender de la música. Al realizar mi trabajo no pienso mucho en la banda, sino en la música. Trato de encontrar las cosas que quiere trasmitir la música para representarlas en la portada. Así que no importa quién es o cuándo''.

El grupo Hipgnosis se separó en 1983, pero Thorgerson continuó detrás de las grandes portadas de Pink Floyd con producciones espectaculares, para más adelante incursionar en la dirección de cine, comerciales y audiovisuales.
La música entra por los ojos a través de las grandiosas e inigualables portadas de Storm Thorgerson. Su estilo único siempre sorprendente le otorga al Rock arte, grandeza e ideología.
En la obra de Thorgerson encontramos el punto en donde se encuentran la música y el diseño, donde los sonidos se convierten en imágenes.

                                                    Fernando Gonzalez













04 diciembre 2009

Vamos las Bandas...Eternas!




"En enero cumplo 60 años y mi idea es poder ver este ciclo tan hermoso, donde el cariño que recibí es interminable. Ahora me siento firme para hacerlo, en diez años no sé". Con esas palabras Luis Alberto Spinetta anunció la reunión de sus Bandas Eternas al cumplirse 40 años del primer disco de Almendra, banda fundacional del rock en Argentina. Los seguidores de Spinetta agradecieron este gesto inesperado para un músico que siempre se negó a mirar hacia atrás.

Edelmiro Molinari lo definió así en una nota previa al concierto: "yo no lo llamo reencuentro de nada. Si yo me tengo que remontar 40 años atrás, cuando la gente decía que nos habíamos separado, tengo que contestar lo mismo que contestábamos en ese momento: nunca nos separamos. Nos multiplicamos. Almendra fue un cuadro que pintamos entre cuatro personas que comparten una obra de arte con mucho amor. Y a partir de eso, cada uno de nosotros siguió con distintas experiencias, por eso nos multiplicamos: de Almendra nació Aquelarre, conjunto que hicieron Rodolfo y Emilio, con Héctor Starc y Hugo González Neira. Y nació Color Humano, el grupo en el que yo tocaba con Rinaldo Raffaneli, David Lebon y después, cuando se fue, con Oscar Moro. Pero Almendra nunca se separó".

Y llegó esta noche de milagros y ruido de magia, celebración inolvidable que revivió la poesía de Almendra, la furia de Pescado Rabioso y la experimentación de Invisible.
Además de estos próceres participaron músicos de Spinetta Jade, Los Socios del Desierto, y una lista enorme de invitados y temas que repasaron cuatro grandes décadas de música.
El estadio se transformó en un jardín, y los presentes, íconos de la cultura argentina como Charly García, Fito Páez y Gustavo Cerati, junto a figuras y leyendas como Diego Rapoport, el Mono Fontana, Beto Satragni, Leo Sujatovich, Pomo, Machi, David Lebón, Carlos Cutaia, Black Amaya, Bocón Frascino, Rodolfo García, Emilio del Guercio y Edelmiro Molinari hicieron un recital que seguramente será recordado como uno de los más antológicos de la historia del rock argentino.
Nadie obligará a decir a Luis (él tampoco lo hará) "que todo tiempo por pasado fue mejor", aunque estamos totalmente convencidos de que así es...
Pienso que ninguna crónica podrá alcanzar la intensidad emocional ni la calidad de lo que se vivió esta noche, tal vez el título que escribió un periodista se le acerque bastante al definirla como "La magia eterna de la buena memoria".
Yo creo que esta noche de Luis Alberto Spinetta y sus Bandas Eternas ha sido un ensueño dentro de este insomnio, y por el respeto ante la música y los músicos, por la trayectoria creativa pura e íntegra de este coloso, debería quedar escrita en el cielo, tal vez por unos niños.

Y que siga la melodía...


                                              Fernando Gonzalez



25 noviembre 2009

Porcupine Tree, el mundo es tuyo.





Porcupine Tree "The Incident Tour"  Sant Jordi Club, Barcelona, 23 de noviembre de 2009.

Y por fin llegó el gran día para vivir otro momento memorable con Porcupine Tree.
La noche comenzaba de la mejor manera ya que como teloneros subieron los Stick Men, trío de virtuosos formado por Tony Levin (chapman stick and vocals), Michael Bernier (chapman stick, vocals and drums) y Pat Mastelotto (drums and digital digits). Estos niños prodigios se lucieron tocando solamente siete temas al mejor estilo crimsoniano, y con algunas agradables sorpresas: una versión espectacular de "Red", una improvisación con arcos de violines sobre los sticks (incluso Mastelotto lo hacía con los platillos de la batería), para luego finalizar con "Elephant talk". Derrocharon buena onda, talento y recursos técnicos por doquier, y fueron realmente un soporte de lujo.



















The Incident en vivo

Lo de Porcupine Tree es realmente un fenómeno que crece a paso firme. En su carrera ascendente cada vez tocan en sitios más grandes, anoche lo hicieron en el Sant Jordi Club ante 2000 personas.
La expectativa creada por este concierto era enorme y se notaba en los comentarios de la gente "entendida" en rock progresivo y en el respeto que genera esta banda.
Anoche fuimos testigos de algo muy grande, tan grande que me atrevo a decir que la obra "The Incident" está a la altura de muchos hitos discográficos que hicieron historia en su momento y que ahora son los clásicos de esta música que tanto amamos.
No es de extrañar que ésto sea así, ya que estos músicos han crecido escuchando a Pink Floyd, King Crimson y demás joyas de la historia de la música rock.
La presentación de "The Incident" fue algo grandioso. Esta vez pudimos disfrutar de sus famosas proyecciones sincronizadas con su música, recurso que hace que la puesta en escena sea mucho más impactante, y el show, una obra de arte en su totalidad.
Los temas ganan mucho en vivo, crecen en fuerza, y además tocados en directo fiel al estudio, nos dan la sensación de estar disfrutando de una obra maestra.
Ya desde la intro del comienzo, la intensidad arrolladora de los riffs de las guitarras nos sorprendían.
La banda a full solamente se detiene para que Steven Wilson salude con un "Hola Barcelona" y así continuar con su guitarra acústica "Great expectations", con John Wesley haciendo los punteos crimsonianos, y en esa línea continuaron con la acústica "Kneel and disconnected", canción que se destaca por los preciosos juegos de voces y un clima intimista realmente encantador. Luego la fuerza de "Drawing the line" hizo delirar al público y siguió el caos organizado del tema "The incident" con samplers y ritmos cruzados. A continuación la preciosa y cortita "Your unpleasant family" con un Wilson luciéndose tocando el solo de guitarra floydiano.
Steven Wilson, que luce sus pies descalzos, toca mucho la guitarra acústica, siempre apoyándose en el incondicional John Wesley (el quinto porcupino) en los punteos y en las armonías vocales.
Llega el momento en el que Wilson se sienta al mellotrón para tocar la infantil "The yellow windows of the evening train" mientras se proyectaban imágenes de tiempos de nostalgia. Luego, sentado en una butaca frente a nosotros y con su guitarra acústica, compartimos uno de los puntos altos del concierto con "Time flies" en donde la gente acompañó cantando la primera estrofa. La banda entra con toda la fuerza y el clima logrado en este tema es realmente conmovedor. En porcupine Tree es notable el extraordinario dominio de los claroscuros musicales, el contraste entre la intensidad del ruido más rockero y poderoso, con la ternura de lo melódico y lo lírico. Recursos creativos de un genio como Steven Wilson, quien cada vez se muestra más seguro y cómodo en el rol de líder absoluto. Su fuerza no radica en el escaparatismo virtuoso ni en una imagen agresiva, porque está en su mente.
"Octaned Twisted" fue otro gran momento del concierto con el lucimiento de las guitarras, y la coda de esta preciosa obra es un bellísimo final con Wilson nuevamente sentado frente a nosotros cantando "I drive the hearse".
"The Incident" nos paseó por todos los estados emocionales, desde partes intimistas a descargas atronadoras, y es notable como la gente allí presente escuchó guardando un respetuoso silencio entre cada una de las catorce piezas que conforman esta obra.
Luego de un intervalo de 10 minutos, la segunda parte arrancó muy bien con "The Star of the Something Beatiful", tema que gana con respecto al original de estudio.
Siguieron con "Russia On Ice", que a la mitad engancharon con la espectacular "Anesthetize" desde la parte del sequencer y los tambores. Ese fue el momento de mayor excitación de toda la noche, ya que la gente enloquecida de placer saltaba y bailaba mientras los músicos daban una demostración de perfecta ejecución instrumental.
Todos los músicos muy concentrados en su rol casi no interactúan entre ellos. La base de bajo y batería es brillante; Gavin Harrison es un ser de otro mundo, como baterista tiene una imaginación a toda prueba, y como percusionista hace todo perfecto cada vez que los ritmos electrónicos pasan al frente. La elegancia del bajo de Colin Edwin es notable. Por su parte Richard Barbieri, quien aparece en segundo plano, realiza una labor exquisita creando soudscapes y bellísimos arreglos. Su trabajo de alta calidad se notó porque el sonido era perfecto.
El concierto continuó con dos temas preciosos: "Lazarus" y "Normal" en donde la gente participó coreando los estribillos. Para cerrar con la fuerza de "Bonnie the cat" (el único tema del Ep de "The Incident") en el que Gavin Harrison se lució con su típica artillería de múltiples recursos, y "Way Out of Here", con un final memorable y dos bises geniales con "The Sound of Muzak" y "Trains" (aquí haciendo una presentación muy divertida de la banda y bromeando con dos pollitos de goma). Aplausos y ovación impresionante que Wilson agradeció diciendo que el público de Barcelona es el más entusiasta de sus giras.
Porcupine Tree en vivo es sublime, con una calidad de sonido muy difícil de igualar, y un set list tremendo. Un concierto mágico y de una calidad extraordinaria.

Set list:
1-14. The Incident (completo)
Intervalo de 10 minutos
15. The Start of Something Beautiful
16. Russia On Ice
17. Anesthetize (Part. 2: The pill I´m taking)
18. Lazarus
19. Normal
20. Bonnie the cat
21. Way Out of Here
Bises
22. The Sound of Muzak
23. Trains

                                    Fernando Gonzalez





24 noviembre 2009

Marillion en mi barrio...



Si, señores! Es un orgullo para mí decir que una de las bandas que más me gusta tocó en Poble Nou, mi barrio en Barcelona, más precisamente a 5 cuadras de mi casa.
No pude ir al concierto pero pasé un rato a la tarde con Max, mi perro (con quien comparto la autoría de este blog) para escuchar la prueba de sonido desde la entrada. Nos fuimos al rato porque a él no le gustó...
Pero según los comentarios de los que luego estuvieron fue un concierto emocionante, con un sonido brillante, con lo mejor del repertorio de la etapa Hogarth.
En fin, Marillion ya es de mi barrio...

                                                           Fernando Gonzalez

22 noviembre 2009

Depeche Mode: “Reach out and touch faith”




Depeche Mode "Tour of the Universe"
Palau Sant Jordi, Barcelona, 20 de noviembre de 2009.


Tras el estupendo concierto que dieron los teloneros, el grupo Soulsavers, la banda británica Depeche Mode presentó su nuevo disco "Sounds of the Universe" en el Palau Sant Jordi de Barcelona.
Debo confesar que la música conocida como "tecno" no me conmueve en absoluto, pero el tecno pop oscuro de Depeche Mode es otra cosa, es una electrónica poderosa, dura y rockera. Aunque también es ambigua como ellos, sus canciones tienen un misterio hipnótico y perverso que las hace muy estimulantes.
En la primera de las dos noches previstas, la comunión entre la banda de Essex y la multitud de unas 18000 personas absolutamente entregadas fue total.
En esta oportunidad, y a pesar de que el concierto fue filmado y será el próximo dvd de la gira, no hubo una puesta en escena fuera de serie como en los tours anteriores. Un escenario simple (con una pasarela que se introducía en la pista) y el fondo de una pantalla gigante, fueron el marco en donde lo principal era mostrar a la banda con toda su fuerza acompañada de un gran montaje audiovisual.
En el comienzo, el trío que integran Dave Gahan, Andy Fletcher y Martin Gore, ampliado a quinteto con el tecladista Peter Gordeno y el baterista Christian Eigner, aparecieron sobre el escenario, y tras un sobrio comienzo protagonizado por las tres mejores canciones del nuevo disco con un fondo estético al mejor estilo Benetton: "In chains", "Wrong" y "Hole to feed", el público disfrutó y coreó el primer gran hit de la noche "Walking in my shoes" con una inquietante y efectiva imagen gigante de un cuervo negro.
A partir de ahí comenzaron a sonar los clásicos "A question of time", "World in my eyes" y "Precious" (del disco anterior), con un Gaham totalmente recuperado, muy animado metiéndose en el bolsillo al público, luciendo sus elegantes contoneos, su carisma irresistible y su profunda voz tan particular.
El repertorio del show se sustentó más en los trabajos editados en los años noventa, y es evidente que las canciones del nuevo disco no están a la altura de sus viejos clásicos, diferencia que se hace aún más notable cuando interpretan su infalible colección de hit singles, una de las más exitosas de nuestro tiempo.
Dave Gahan desapareció del escenario y dió paso a Martin Gore (el cerebro de la banda) para cantar "Jezebel" primero, y luego de manera conmovedora y acompañado por un piano desmudó su alma con "Home". Bajo un intenso silencio se vivió el momento intimista del concierto.
Gahan volvió al escenario para cantar la rockera "Miles away", "Policy of truth" y "It's no good", que terminó con el líder de la banda dando vueltas sobre el escenario.
Una sugerente luz roja inundó el recinto para dar paso a "In your room", luego el delirio del público llegaba con los clásicos "I feel you", uno de los temas más aplaudidos de la noche, pero fue con "Enjoy the silence" que Gaham cantó con el público creando un karaoke multitudinario, cuando el Palau Sant Jordi estalló a gritos en medio de un frenético mar de aplausos. Para finalizar el espectacular cierre con "Never let me down again" en versión demoledora.
En los bises, nuevamente Martin Gore repite otro momento intimista con "One caress", luego "Stripped", "Behind the wheel" y un final apoteósico con una versión más rockera de "Personal Jesus", ya convertida en ritual con todo el mundo cantando a gritos “Reach out and touch faith”.

                                                     Fernando Gonzalez



03 noviembre 2009

El lado oscuro del Album Blanco...




En febrero de 1968 The Beatles viajaron a la India para aislarse durante semanas en medio del Himalaya con el fin de realizar el curso de meditación trascendental con el Maharish Mahesh Yogi. Acompañados por amigos músicos como Mick Lowe y Donovan, la actriz Mia Farrow y sus respectivas parejas buscaron en la meditación el camino para dejar las drogas, limpiar la mente, recuperar el placer de hacer nueva música, y superar la muerte de Brian Epstein.
En la India, mientras Paul creaba melodías sin parar; John, separado físicamente de Cynthia,experimentaba el amor a distancia con Yoko Ono; George profundizaba en lo espiritual, y Ringo extrañaba la comida y la vida cotidiana.
La experiencia espiritual y el desencanto final con el Maharishi quedaron reflejados en muchas de las letras de las canciones que allí escribieron, junto al hallazgo de nuevos caminos musicales que marcaron luego el rumbo de la música del futuro, ya que de esos días en la India surgieron casi todas las canciones del Album Blanco, uno de los mejores discos de la historia.
A pesar de haber sorprendido a todo el mundo con este disco, el Album Blanco fue el principio del fin de The Beatles, ya que la lucha de egos entre Paul y John generaba tensiones, y la constante presencia de Yoko Ono (tan irritante para todos) en los estudios desencadenaron el final poco tiempo después.

Pero la historia del Album Blanco tiene un lado oscuro...
La riqueza musical del disco se puede observar en la multiplicidad de estilos y lo heterogéneo de las canciones, aunque las letras de algunos temas, abiertas a múltiples interpretaciones, generaron en un personaje llamado Charles Manson un sentimiento especial, un llamado para cometer aquellos famosos y sangrientos asesinatos en masa en Bel Air.
Charles Milles Manson (1934) Cincinnati, Ohio (EEUU), era hijo ilegítimo de una joven de 17 años. De infancia muy dura, fue criado por su tía hasta los 8 años cuando su madre salió de prisión. Abusado sexualmente de muy joven, su vida transcurrió en institutos reformatorios y cárceles, con una gran variedad de delitos.
Fue en la cárcel donde conoció el esoterismo, y durante más de diez años estudió la Biblia e infinidades de textos religiosos.
En 1967, en pleno auge del "Flower Power", salió de la cárcel y partió rumbo a la costa oeste, y es entonces cuando Manson comienza a experimentar con drogas alucinógenas como L.S.D. y otras varias. Las drogas, Los Beatles y la religión serían la base de su Teoria del Apocalipsis.
En San Francisco creó un grupo llamado “La Familia” en el que recluyó a jóvenes marginados como él, cuyas vidas estaban perdidas por las drogas, y empezó a impartir sus creencias. De esa manera, eloquecido por los alucinógenos y con un poder de persuasión casi hipnótico, ordenó a sus fieles seguidores realizar varios asesinatos rituales en barrios blancos de clase alta para provocar "una guerra de razas apocalíptica", el "Helter Skelter", en el que la raza blanca sería destruída por los negros, guiados por su grupo, quienes serían los elegidos de llevar al mundo hacia un nuevo orden.

Para entender algo de todo ésto vamos a detenernos en tres temas trascendentales del disco:
Se dice que en “Helter skelter” (palabra que significa tobogán en espiral) Paul se propuso crear el tema de rock más poderoso para impresionar a la prensa británica y superar así al simple de The Who llamado “I can see for miles”. El resultado fue tal vez el primer heavy metal de la historia. En el final de la canción se puede oir a Ringo gritando “¡Tengo ampollas en los dedos!”.
Dentro del Álbum Blanco también está la canción "Piggies" (Cerditos), de George Harrison, una crítica sarcástica a la rica clase dirigente. Era una de las más ácidas letras dirigida a los nuevos ricos que se convierten en caníbales sociales: “Está lleno de cerdos por todas partes / viviendo sus vidas porcinas / puedes verlos cuando salen a cenar con sus esposas cerditas / agarrando cuchillo y tenedor para comer su tocino”.
La tercera, “Revolution 9”, se trataba de un desconcertante collage sonoro, un turbulento experimento vanguardista de ruidos aleatorios muy diversos que John y Yoko Ono mezclaron juntos en el estudio. Más bien era un tema que guardaba cierta relación con el arte conceptual de Yoko Ono. El sonido más recordado es el famoso “number 9” repetitivo, descubierto en unas cintas de la Academia Real de Música de Inglaterra. La inclusión de este tema tan distinto a todo lo que los Beatles habían intentado hasta la fecha causó bastante polémica entre los propios miembros del grupo.

Manson interpretó, cual mesías satánico, la canción "Helter Skelter" como un aviso de la venida del Apocalipsis, que supuestamente le indicaba además el modo de proceder en sus crímenes.
Los cuatro Beatles eran para Manson “Los Cuatro Jinetes del Apocalipsis”, grupo del que siempre añoró ser el quinto integrante. En el capítulo 9 del Apocalipsis Manson entendió que hace referencia a los cuatro Beatles y a él mismo como los protagonistas de la "Revolution 9".

El 8 de agosto de 1969 el clan Manson o La Familia ingresa en la residencia de Cielo Drive 10050 y mataron salvajemente a la actriz Sharon Tate (quien estaba en su último mes de embarazo). Alli también estaba reunido un grupo de amigos quienes fueron también asesinados brutalmente con armas blancas.
En una de las paredes de la escena del crimen donde fue asesinada la esposa de Polanski quedó escrito con sangre el nombre "Helter Skelter".
La discípula Susan Atkins, una de las principales autoras materiales de los crímenes, dijo que había apuñalado a Tate porque "estaba harta de escucharla pidiendo y rogando". Luego de apuñalar a Tate, Atkins utilizó su sangre para escribir "Pig" (cerdo) en la puerta de entrada de la casa.
La noche siguiente La Familia de Charles Manson asesinó al matrimonio LaBianca.
En total fueron asesinadas siete personas.
Aunque Charles Manson no estuvo presente en los asesinatos, fue condenado por conspiración a la pena de muerte en 1971, luego su condena fue cambiada a cadena perpetua.
Manson, de 74 años, y otros tres miembros de su secta, continúan en prisión. Atkins murió este año de un cáncer terminal a los 61 años de edad en una prisión de California.

P.S. El lado oscuro de esta historia no termina acá, hay algunos hechos muy curiosos que llaman la atención.
En 1968 Mia Farrow, quien integró ese mismo grupo que viajó a la India, fue la protagonista de la película "Rosemary´s baby", dirigida por...Roman Polansky (esposo de Sharon Tate), en la que Mia tiene un hijo del diablo. La película fue rodada en New York, más precisamente en el edificio Dakota, en donde vivieron John y Yoko. El 8 de diciembre de 1980 John fue asesinado en la puerta de ese edificio.

                                                  Fernando Gonzalez



25 octubre 2009

Gracias por la vuelta, Maestro Charly García


El más grande artista de rock en castellano de todos los tiempos nunca se fue, siempre estuvo en nosotros a través de su música.
Charly inspiró a una generación y con su obra siempre entregó poesía y amor.
Yo brindo por su salud! "La línea blanca se terminó..."
Y, claro que Charly ya no es el mismo...nosotros tampoco.

                                                        Fernando Gonzalez

04 octubre 2009

Pilares del Rock Progresivo actual



Cuando hablamos de Rock Progresivo muchos se remontan a los primeros años setenta cuando en el mundo la música de Yes, Genesis, Pink Floyd, EL&P y King Crimson entre otros brillaban con sus grandes creaciones y con una búsqueda artística inigualable.
Los cambios de década, la llegada del punk y el dominio de las compañías musicales comerciales que convirtieron la música en un objeto de consumo para "oídos fáciles", fueron determinantes para combatir a los grupos que hacían música para "oídos entendidos". En los ochenta algunas grandes bandas sobrevivieron a todo ésto mediante un "aggioramento" o simplemente tomándose más tiempo entre disco y disco.
La aparición de nuevas bandas como Marillion, IQ y Pendragon fueron las que mantuvieron la bandera de lo que se llamó más adelante Neo-Prog, pero a partir de los años noventa se produjo un renacimiento del Rock Progresivo, y el escenario que antes dominaban los grupos ingleses y en menor medida alemanes e italianos se amplió, destacándose entre otras movidas la llamada escena escandinava que nos ofrece grupos de un nivel excelente. En nuestros días esta vertiente musical tan rica está más vigente que nunca y podemos citar a cuatro de las bandas más destacadas que por su trayectoria y el nivel de sus trabajos son consideradas como los pilares del Rock Progresivo actual: Spock´s Beard, The Flower Kings, Dream Theater y Porcupine Tree.

Spock´s Beard


Spock’s Beard es una de las bandas más importantes de rock progresivo formada en 1992 en Los Angeles por su líder, el prolífico Neal Morse (teclados y voz principal) y su hermano Alan Morse (guitarra), junto a Nick D’Virgilio (batería y voz), Dave Meros (bajo), a los que más tarde se les unió el japonés Ryo Okumoto (teclados).
Todos los integrantes anteriormente fueron músicos de sesión y de estudio habiendo trabajado con Phil Collins, Peter Gabriel, Eric Clapton, Steve Luckater, entre otros.
Su nombre proviene de un capítulo de la serie "Star Treck".
La música de Spock´s Beard es el fruto de la versatilidad compositiva de Neal Morse, fuente de imaginación inagotable, y tiene fuertes influencias del rock progresivo de las grandes bandas de los años setenta tales como Genesis y Yes; las melodías bien definidas toman lo mejor de The Beatles, y las complejas armonías vocales con extravagantes juegos de contrapuntos en cortes al estilo Gentle Giant, y algunas fusiones curiosas con toques de latin jazz y música folk, son su sello personal y característico.
Se pueden diferenciar dos etapas muy importantes dentro de su historia, la primera, de neto corte progresivo-sinfónico con obras conceptuales de gran calidad, abarca sus seis primeros discos hasta el año 2002, cuando su líder y principal compositor Neal Morse anunciaba la marcha del grupo por razones espirituales y para "estar más cerca de Dios".
A partir de la salida de Neal Morse comienza la segunda etapa liderada por su baterista, ahora vocalista, Nick D´Virgilio, algo similar a lo que ocurrió con Genesis cuando Peter Gabriel dejó la banda y Phil Collins pasó a ser el frontman.
Con la actual formación graban sus tres últimos discos.
La banda comenzó la búsqueda de una nueva identidad con un sonido más duro y experimental, que si bien no alcanza la espectacularidad de la época de Neal Morse, lo han resuelto con mucha dignidad y sin olvidar sus raíces sinfónicas.

Discografía de estudio:
1995: The Light
1996: Beware of Darkness
1998: The Kindness of Strangers
1999: Day for Night
2000: V
2002: Snow
2003: Feel Euphoria
2005: Octane
2006: Spock's Beard

The Flower Kings


Es uno de los grupos más sólidos de la escena progresiva provenientes de Suecia. Su música es un rock progresivo que combina rasgos de las más diversas fuentes musicales.
The Flower Kings nace a partir de un proyecto creado por el talentoso músico sueco Roine Stolt, exquisito guitarrista y compositor, cuando graba el disco The Flower King junto a músicos invitados, quienes luego pasan a ser una formación estable a la que llamaron The Flower Kings.
Sus integrantes son músicos con una gran capacidad técnica, y su música tiene un sonido imponente y personal que se caracteriza por largas y complejas estructuras compositivas en las que siempre brillan improvisaciones de alto nivel imaginativo.
Sus primeros discos fueron grabados por la formación original: Roine Stolt (voz y guitarras), Jamie Salazar (batería), Hasse Fröberg (guitarras y voces), Michael Stolt (bajo) y Tomas Bodin (teclados), con la colaboración de Hasse Bruniusson (percusión) y Ulf Wallander (saxofón).
En esta etapa se notan grandes influencias de la música psicodélica de los años sesenta y del rock progresivo sinfónico de los setenta como Genesis, Yes, King Crimson y Pink Floyd, como también de la experimentación de Frank Zappa.
Con el tiempo y con la incorporación de Jonas Reingold (bajo) y Zoltan Csörsz (batería), quienes reemplazaron a Michael Stolt y Jaime Salazar, la banda comenzó a experimentar con sonidos más complejos y disonantes, y composiciones más cercanas al jazz fussion y a otras vertientes musicales como el hard rock, RIO, pero siempre sonando exhuberante y majestuosa.
Desde 1995 han grabado diez discos de estudio (cinco de ellos dobles) y tres en vivo.
La actividad musical de estos músicos abarca también proyectos paralelos tales como Kaipa, Transatlantic, The Tangent, Karmakanic, Agents of Mercy, etc.

Discografía:
1994: The Flower King
1995: Back in the World of Adventures
1996: Retrópolis
1997: Stardust We Are
1999: Flower Power
2000: Alive on Planet Earth (en vivo)
2000: Space Revolver
2001: The Rainmaker
2002: Unfold the Future
2003: Meet The Flower Kings (2 DVD en vivo)
2004: Adam & Eve
2006: Paradox Hotel
2006: Instant Delivery (2 DVD)
2007: Road Back Home
2007: The Sum of No Evil

Dream Theater


Esta banda con más de veinte años de exitosa carrera se ha convertido en referente del metal progresivo.
Dream Theater, banda estadounidense, nació como grupo en 1985 en la escuela musical de Berkley, Boston. Allí se conocieron John Petrucci (guitarras), Mike Portnoy (batería) y John Myung (bajo), los únicos miembros fundadores que siguen en la actual formación. Empezaron junto a Chris Collins (voz) y Kevin Moore (teclados) quien se fue en 1994, y fue reemplazado por Derek Sherinian, quien estuvo en la banda hasta 1999.
Originalmente se llamaron Majesty, más tarde el nombre definitivo fue Dream Theater.
En 1989 lanzarían su primer álbum, con Charlie Dominici como vocalista, pero en 1991 se unió a la banda el definitivo frontman: James LaBrie.
En 1992 lanzaron su segundo álbum "Images and Words", que los catapultó a la fama. Los discos que siguieron afianzaron a la banda en su estilo, pero en 1997 se publicaría "Falling into Infinity", de sonido más comercial que refleja las presiones a las que la banda estaba siendo sometida por la discográfica, y por la cual estuvieron a punto de separarse. Al año siguiente Mike Portnoy y John Petrucci participaron del proyecto Liquid Tension Experiment, junto a Tony Levin (bajo) y Jordan Rudess (teclados). A partir de ahí la relación que nació con Rudess lo llevó a convertirse en el nuevo tecladista de Dream Theater, aportando su enorme sello creativo y personal a las nuevas creaciones.
En 1999 Dream Theater editó "Metropolis Pt. 2: Scenes From A Memory", disco conceptual considerado por la crítica como una de las obras maestras del rock progresivo.
Los trabajos que siguieron a continuación fueron el comienzo de una nueva etapa que reflejan un amplio espectro musical, que contiene variados tipos de temas que van desde los sonidos pesados hasta metal sinfónico.
La versatilidad musical y el virtuosismo individual de los integrantes de la banda es notable, y es reconocida la capacidad técnica de cada uno de los músicos, sobre todo en las impresionantes presentaciones en vivo. Por ese motivo han recibido numerosos premios de revistas especializadas y son respetados por músicos reconocidos.

Discografía de estudio:
1989: When Dream and Day Unite
1992: Images and Words
1994: Awake
1995: A Change of Seasons (EP)
1997: Falling into Infinity
1999: Metropolis Pt. 2: Scenes From a Memory
2002: Six Degrees of Inner Turbulence
2003: Train of Thought
2005: Octavarium
2007: Systematic Chaos
2009: Black Clouds & Silver Linings

Porcupine Tree


El mundo de Porcupine Tree gira alrededor de la figura de Steven Wilson, proveniente de Hemel Hempsted en Hertfordshire, Inglaterra, está integrado por:
Steven Wilson - Voces, Guitarra, Piano/Teclados y Mellotron.
Richard Barbieri - Teclados y Sintetizadores
Colin Edwin - Bajo
Gavin Harrison - Batería y Percusión
John Wesley - Guitarra y segunda voz (conciertos únicamente)
Alguien escribió algunna vez que la música de Porcupine Tree es una aventura donde se conjugan texturas, atmósferas, sensaciones y tensiones…
La historia comienza como un divertimento experimental que el joven genio Steven Wilson grabó en su estudio como un grupo sinfónico imaginario llamado Porcupine Tree, con grabaciones de rock psicodélico de los años sesenta y setenta.
Lo mejor de esas primeras grabaciones fue registrado en sus dos primeros trabajos que contienen material semejante al space rock de los setenta, en donde Wilson ejecutaba todos los instrumentos. También hay referencias a Pink Floyd y al rock alemán y psicodélico.
El nacimiento de la banda se produce con la grabación del tercer disco "The Sky Moves Sideways" (1995), cuando Wilson invita a Richard Barbieri, Colin Edwin y a Chris Maitland a formar parte del grupo. Con este disco Porcupine Tree da un paso decidido hacia el rock progresivo, y los críticos calificaron a Porcupine Tree como el nuevo Pink Floyd. Esta primera etapa es conocida como la etapa Delerium, por el nombre de la compañía discográfica en la que grabaron esos discos.
La siguiente etapa de la banda comienza en 1998 con los trabajos realizados para la compañía discográfica Snapper Music. Si bien la calidad de los temas es impecable, las canciones son más cortas y los sonidos están más cercanos al pop, al rock alternativo y al ambient. Ese cambio posibilita que Porcupine Tree alcance mayor popularidad y su música llegue a un público que miraba de reojo al rock progresivo.
El crecimiento del grupo hizo que Steven Wilson sea requerido para producir trabajos de otros artistas como Fish, Marillion y Opeth entre otros.
La nueva etapa de la banda comienza con la incorporación de uno de los mejores bateristas de la tierra, el genial Gavin Harrison, reemplazando Chris Maitland en 2001.
Los trabajos que siguieron a continuación son de lo mejor que la banda puede ofrecer, con un sonido más agresivo y más atrapante aún. La novedad principal está en el endurecimiento del sonido en algunos temas pero sin dejar de lado la esencia más melódica de la banda, ni las sutilezas.
El estilo actual de Porcupine Tree es un rock progresivo totalmente contemporáneo, su amplio abanico de sonidos va desde lo etéreo y lo espacial hasta el rock industrial, con sutiles influencias de King Crimson y Pink Floyd.
Es una característica de sus últimos trabajos el gusto de saltar de un pasaje tranquilo a otro totalmente devastador.
Sus climas alternan momentos claros y brillantes con hermosas armonías vocales y teclados que crean a veces un estado onírico, con momentos oscuros y sinestros, en donde puede nacer una arremetida de impactantes riffs.
Porcupine Tree tiene lo que una banda necesita para hacer historia, me refiero a la capacidad de sorprender con cada nuevo trabajo. Obras compactas y conceptuales como "Fear of a blank planet" o "The incident" son de lo mejor que se ha hecho en toda la historia del rock . La banda de Wilson marca el camino del progresivo, porque su música es la que progresa y se reinventa continuamente.

Discografía de estudio:
1991: On the Sunday of Life...
1993: Up the Downstair
1995: The Sky Moves Sideways
1996: Signify
1999: Stupid Dream
2000: Lightbulb Sun
2002: In Absentia
2005: Deadwing
2007: Fear of a Blank Planet
2009: The Incident

20 septiembre 2009

Emilio del Guercio, poeta y pintor de música.





El gran músico argentino Emilio del Guercio (1950), fue integrante de Almendra y Aquelarre, bandas pioneras que marcaron una época de gloria dentro del rock en Argentina.
Músico reconocido por su capacidad melódica y sensibilidad para componer, y por sus virtudes como gran bajista y excelente vocalista.
Ésta es una nota que hicimos con mi amigo Ramón Manzur para el programa radial CD-Rock de F.M. Puente de Necochea, Argentina realizada en Diciembre 1997, mientras se estaba gestando la reunión de Aquelarre...

"Yo hago rock? Supongamos que sí...
Sigo componiendo canciones. Y como soy muy exigente con mi trabajo de composición, me lleva meses hasta estar conforme con alguna de ellas.
El tipo de música que hago es una continuidad de lo que he venido desarrollando a través de los años, incluídas mis épocas con Almendra y también con Aquelarre.
Seguramente el cambio más notorio fue a partir de "Pintada" (1982), por lo tanto, yo supongo que las canciones que aún no he grabado, están en relación con el ambiente musical de ese disco. Y cuando digo supongo, es en serio porque el compositor no puede saber sino a través de la respuesta de la gente cual es la imagen que su música tiene más allá de los límites de su propia cabeza.
No he grabado un nuevo disco porque estuve un poco alejado de la actividad musical, pero tengo una buena cantidad de temas que pienso grabar apenas se den las posibilidades con algún sello discográfico.
No sé responder muy bien a la pregunta de cómo veo la música hoy. Apenas puedo esbozar algún comentario muy personal y supongo parcial. Creo que ésta no es una época que se destaque mucho por la creatividad y la búsqueda en ampliar los lenguajes musicales y de letras de canciones. Esto lo digo por lo que se ve o escucha, pero creo que como en todas las épocas, habrá gente muy talentosa componiendo y escribiendo en su casa pero sin la posibilidad de grabar o difundir su trabajo.
Escucho todo tipo de música que me interese, ya sea rock, jazz, flamenco, folklore, etc.
Almendra y Aquelarre para mí fueron dos grupos fundamentales, desde el punto de vista musical como en la experiencia humana personal con todos sus integrantes.
Respecto a la posibilidad de que Aquelarre vuelva a tocar, les digo que es posible... que si. Pero cuándo no lo sé...
Después del disco "Pintada", estuve experimenando un tiempo largo con un trío de guitarras, luego le agregué percusión, etc, después cuando nació una nueva hija (tengo dos) dejé un tiempo de tocar y me dediqué al diseño, al dibujo y la pintura que es otra de mis pasiones. Sin embargo seguí componiendo en casa.
El dibujo y la pintura son súper importantes en mi vida, porque lo hago desde muy chico y me da placer hacerlo. Siempre caminé con un pie en lo gráfico y otro en lo musical. Y combinar esos dos mundos, aunque no lo parezca a simple vista, me ha enseñado a comprender un poco más de cómo se termina una idea, ya sea musical o visual.
Las letras de mis canciones no surgen de una ideología preinstalada en mi voluntad de escribir o de relatar algo. En general surgen de sensaciones internas que tengo del mundo o de la vida que viven otras personas o de la mía misma. Trato de escribir algo que sea sensible, relacionado con lo emocional, que sea para la música pensada en fonética castellana y me esfuerzo para que también posea calidad literaria.
Con mis ex compañeros de Aquelarre y Almendra tengo buena relación en general. Destacando que en realidad yo tengo con cada uno de ellos, un tipo de relación que es personal. Aunque todos juntos fuimos un "conjunto" que la gente a veces ve como una unidad (en el plano de la música) no lo es en el campo de las relaciones interpersonales.
Existe material inédito de Aquelarre grabado en España, es un tema que se llama "Mágico y natural" y se editó en un L.P. de varios grupos españoles y franceses. También hay (mal grabadas) actuaciones en vivo del grupo en España y por supuesto en Argentina.
En cuanto a actuaciones mías personales, hay algunas con La Eléctrica Rioplatense, con el trío de guitarras y alguna otra con teclado y guitarra solos.
Se pueden conseguir solamente si las piratean, con lo cual tendrían luego que arreglárselas con mi abogado, o con algún guardaespaldas que consiga si no entran en razones...ja!
He comenzado a hacer giras por el interior del país de a poco nuevamente con la formación de La Eléctrica Rioplatense (Claudio Mendez en teclados, Luis D´agostino en guitarra eléctrica, Daniel Insusarry en bajo y voz, y José Luis Colzani en batería), recordando además los 30 años del Rock Nacional."

A pocos meses de esta nota, Emilio del Guercio decide reaparecer con sus antiguos compañeros de Aquelarre para brindar dos actuaciones en vivo en diciembre de 1998 en el teatro Presidente Alvear, que quedaron grabadas en el disco "Corazones del Lado del Fuego" (1999), que además de repasar los clásicos de la banda, incluye los temas inéditos: "Blues y Vino" y "Mágico y Natural".

                                                           Fernando Gonzalez



13 septiembre 2009

Paul Mc Cartney en Barcelona



Paul McCartney "Back in the World Tour"  Palau Sant Jordi, Barcelona, 28 de marzo de 2003.

Buscando material para el blog, encontré un borrador de la crónica que hice para una revista de la última vez que Paul visitó la ciudad de Barcelona en 2003 (finalmente no me la publicaron y quedó guardada).
Debo admitir que para mí ver a Paul Mc Cartney es estar frente a uno de mis super héroes, quien junto a John Lennon, son los compositores de la banda sonora de gran parte de mi vida, y también de la de muchos.
El concierto forma parte del "Back in the World Tour", gira que comenzó en abril de 2002 en California y que terminará en Mayo de 2003 en Dublín.
Durante dos horas y media y con un set list inigualable de 36 canciones, que incluye 22 temas de Los Beatles, y abarca 4 décadas, Paul nos llevó mágica y misteriosamente por un viaje interior directo al corazón, porque él tiene la llave de la máquina del tiempo que hoy revive la nostalgia, esa llave que son las canciones que sin querer cambiaron el mundo.

En el comienzo, al mejor estilo “Cirque du Soleil”, iban apareciendo algunos personajes entre la gente desde las plateas, comediantes, bailarines, acróbatas y vestidos de época, subieron al escenario creando un mundo de fantasía. Tras ese pequeño show se ilumina un enorme círculo blanco, con la sombra del clásico bajo-violín de Paul, y de repente aparece Paul levantando su bajo como en los tiempos de la beatlemanía, entonces se abre el telón con toda la banda dándonos la bienvenida con “Hello goodbye”, mientras el Palau Sant Jordi con 18000 personas estremecidas estalla de emoción.
Era la vuelta del único ex beatle en actividad, luego de diez años de ausencia por escenarios españoles, estaba el mito viviente Paul Mc Cartney, este músico excepcional frente a frente con nosotros. La presencia de Paul genera emociones y sentimientos profundos, pero por sobre todo respeto y agradecimiento por toda su música.
Con una excelente puesta en escena elegante y vistosa, con pantallas móviles de distintos tamaños, que cambiaban según la canción, comenzaba un show inolvidable para todos los que somos verdaderos fans de Los Beatles.
Después de saludar “Hola España” y “Bona nit Barcelona”, Paul prometió a toda la gente una noche con el mejor rock, y así la banda comenzó a tocar una versión contundente de “Jet”, un tema de Wings, seguida de “All my loving”, para luego presentar “Getting better”, tema que Paul interpretaba por primera vez en vivo, ya que con la tecnología actual, se pueden reproducir los sonidos que Los Beatles creaban mediante el uso de loops, cintas pasadas al revés y experimentos sonoros varios, imposibles de reproducir en otras épocas.
El concierto continuó con “Coming up", “Let me roll it”, “Lonely road”, y “Driving rain”, luego Paul se sentó al piano, para cantar “Your loving flame”, el primer homenaje de la noche dedicado a su mujer Heather Mills.
La nueva banda de Paul McCartney que está integrada por los jóvenes Rusty Anderson y Brian Ray en guitarras, el inseparable Paul "Wix" Wickens en teclados y el enorme baterista chicano Abe Laboriel Jr, es un justo equilibrio entre sutileza y apabullante contundencia.
En ese momento la banda abandona el escenario dejando solo a Paul, quien acompañado de su guitarra acústica cantó magistralmente “Blackbird”, “Every night” y “We can work it out”, para finalizar su set unplugged con “Mother nature´s son”.
Paul volvió a sentarse, pero esta vez frente a otro piano de colores psicodélicos e interpretó los clásicos “You never give me your Money / Carry that weight” y “The fool on the hill”.
Entonces llegó el momento más emotivo de la noche, cuando Paul rindió un homenaje a sus compañeros de Los Beatles, primero con su guitarra acústica cantó “Here today”, hermosa melodía compuesta para John cuando fue asesinado. Y recordó que no podemos dejar de decir lo que sentimos a nuestros seres queridos, porque luego puede ser demasiado tarde. En ese momento el público comenzó a cantar “Give peace a chance” y todos corearon el nombre de John. Luego con ukelele hizo una versión de “Something” muy curiosa al estilo foxtrot, obviamente dedicada a George.
Mientras tanto la banda regresa para tocar la grandiosa “Eleonor Rigby”, y nos regalan una hermosa versión de “Here, there and everywhere” y “Calico skies”, ambas con coros y acordeón. Las baladas continúan con una de las más famosas de la historia: “Michelle”, con bellísimas imágenes del París antiguo y una ovación de todo el estadio. Entre tantas melodías perfectas llegó una de las obras maestras de McCartney y uno de los más grandes éxitos en su etapa con Wings: “Band on the run”, ejecutada de manera impecable.
“Back in the USSR” levantó a todo el estadio, seguido por dos geniales temas de Wings: “Maybe I´m amazed” y “Let ´em in”.
Hubo también otra dedicatoria y fue para Linda, la preciosa balada “My love”, con su grandioso solo de guitarra.
“She´s leaving home”, fue otro de los estrenos, jamás interpretada en vivo, realmente una joya rescatada de “Sgt Pepper”, un trabajo con arreglos perfectamente logrados, simplemente genial.
Luego “Can´t By Me Love” nos transportó a los años de la locura de la beatlemanía, y “Live and let die” nos llevó al momento cumbre del show, tocada con una fuerza increíble, y con una escenografía espectacular que incluía juegos de luces, fuego y explosiones. El grupo suena con una fuerza arrolladora, muy compacto y con una contundencia que las anteriores bandas de Paul como solista jamás tuvieron, mientras que Paul, que se hace el agotado por el rigor del tema, nos demuestra que tiene cuerda para rato, porque lo vimos joven, de muy buen humor haciendo bromas y hablando mucho en español durante todo el show.
Otro momento de gran emoción se vivió con dos de las mejores canciones de todos los tiempos, con Paul al piano cantando “Let it be” y el himno “Hey Jude”, en el que participó el público tarareando al unísono el famoso coro del final.
El concierto prosigue hacia la recta final con más canciones de Los Beatles primero con la intimista “The long and winding road”, y luego a todo rock con “Lady Madonna”, “I saw here standing there” que levantaron a la audiencia haciéndola vibrar, para terminar el set list con ”Birthday” en un final de antología.
Paul reaparece con su guitarra porque aún quedaba un regalo más: “Yesterday”…
Y finalmente la banda reaparece por segunda vez en el escenario para ofrecernos el último bis en un cierre del show fantástico “Sgt. Peppers reprise” y “The End”, con los solos que fueron la épica despedida de los cuatro grandes de Liverpool.
Es un privilegio haber podido ver a Paul Mac Cartney, el compositor más exitoso de la historia del rock, la leyenda viviente más grande de todos los tiempos.
Los Beatles continúan viviendo en él…"And in the end the love you take is equal to the love you make..."

                                                       Fernando Gonzalez



11 septiembre 2009

El Jazz de "Rayuela".



Aquellos que conocen a Julio Cortázar saben que era un amante del Jazz, y eso quedó reflejado en muchos escritos, pero principalmente en su cuento "El perseguidor" y en su obra maestra "Rayuela".
Existen en “Rayuela” y en toda la obra de Julio Cortázar múltiples referencias al jazz.
Cortázar era un escritor libre, y amaba el jazz porque “era una música que permitía todas las imaginaciones”.
La imaginación para improvisar que tiene el jazz le da al músico libertad para crear e interpretar, y justamente el virtuosismo de la improvisación y la libertad de esa música fueron dos de sus armas creativas para poder lograr en su obra maestra “Rayuela” (1963) una novela de estructura libre, a través de una nueva visión de la narrativa que se diferencia del discurso tradicional de la novela.
Julio Cortázar, señaló en una entrevista, que la importancia del jazz está:
"en la manera en que puede salirse de sí mismo...permitiendo todos los estilos, ofreciendo todas las posibilidades, cada uno buscando su vía. Desde ese punto de vista está probada la riqueza infinita del jazz; la riqueza de la creación espontánea, total... cada músico crea su obra, es decir que no hay un intermediario, no existe la mediación de un intérprete...la improvisación, una creación que no está sometida a un discurso lógico y preestablecido sino que nace de las profundidades..."
Ese jazz, que tanto amó Cortázar, le permitió liberarse de las normas preestablecidas.
En Rayuela, el autor propone dos maneras distintas de leer el texto: la tradicional lectura lineal, o siguiendo un orden aleatorio propuesto por él mismo.

Los capítulos 17 y 18 de “Rayuela” están plagados de imágenes y sonidos de Jazz.
Un grupo de intelectuales melómanos que viven en París y se hacen llamar “El club de la serpiente”, formado por Horacio Oliveira (tal vez su otro yo) y sus amigos, escuchan en el tocadiscos discos de jazz y comentan y opinan apasionadamente sobre los jazzman, las letras y el arte “entre el humo y el jazz”…
Aunque Julio Cortázar vivía en París por aquellos años y pudo experimentar el fenómeno del free jazz, corriente musical que llegaba a Europa desde la América de postguerra, estos personajes de “El lado de allá” escuchan un jazz muy temprano, basado en el blues y en el bebop.
Oliveira y compañía admiran y escuchan a los maestros de los orígenes: Bix Beiderbecke, Louis Armstrong, Fats Waller, Big Bill Broonzy, Bessie Smith, Bunk Johnson, pero también hacen referencias a músicos de bebop como Oscar Peterson, Thelonius Monk, Kenny Clarke y Dizzy Gillespie.

“El bop se asocia con el desacato social: los "boppers" se sentían ajenos a la sociedad y se vestían de un modo que mostraba claramente su rebeldía -usando anteojos negros que ocultaban su mirada de la de los demás; hablando su hip-talk o lenguaje secreto.
Para medir hasta que punto llegaba este enajenamiento, nada más hay que mirar la vida del bopper más destacado: Charlie Parker” (Leslie Barry)
En la novela “El perseguidor” Julio Cortázar relata la vida de un genio saxofonista enganchado a las drogas que vive persiguiendo una idea que nunca alcanza porque su vida va 15 minutos por delante de él. Una metáfora de la vida de Charlie Parker.

En "Rayuela" el jazz está presente y no es solamente la música de fondo…
“Y la maga estaba llorando, Guy había desaparecido, Etienne se iba detrás de Perico, y de Gregorovirus, Wong y Ronald miraban un disco que giraba lentamente, treinta y tres revoluciones y media por minuto, ni una más ni una menos, y en esas revoluciones Oscar's Blues, claro que por el mismo Oscar al piano, un tal Oscar Peterson, un tal pianista con algo de tigre y felpa, un tal pianista triste y gordo, un tipo al piano y la lluvia sobre la claraboya, en fin, literatura.”
El jazz también penetra en el interior de los personajes y está en sus pensamientos, en sus dilemas existenciales, en su desarraigo espiritual…
Es ese jazz que retorna a los elementos básicos del blues, esa música creada por gente marginal, que expresa el sentimiento profundo del dolor.


                                                            Fernando Gonzalez.