"The Raven That Refuses To Sing (and other stories)"
"The Raven That Refuses To Sing" es el fruto de la inagotable inspiración del genial Steven Wilson, en donde
logra superarse a sí mismo creando uno de los discos de rock progresivo más ambiciosos de los últimos tiempos. Es sin dudas la mejor obra de su etapa solista, por su solidez y calidad desde el primer segundo hasta el último. En este trabajo Steven Wilson descarga su caudal de imaginación. Renovador del género, apuesta por un estilo progresivo mucho más setentero e incluso virtuoso.
Las elaboradas composiciones tienen una técnica envidiable, llenas de virtuosismo y compuestas con gran imaginación y dominio de las estructuras. Están dotadas de una atmósfera muy cuidada, de un aire hipnótico, y todas ellas fluyen con naturalidad y sentido, además de tener un nivel altísimo y una gran capacidad para emocionarnos y llevarnos más allá.
Steven Wilson recurre en este trabajo a la experimentación orientada hacia múltiples direcciones y a muchas referencias progresivas. Es una delicada e inteligente combinación con lo mejor de Porcupine Tree, Steven Wilson band y el mejor progresivo de los setenta, altas dosis de jazz rock y virtuosismo por doquier. Cubierto con una pátina de atemporalidad consciente y pretendida, que bien pueda recordar a los clásicos de los setenta, o bien pueda suponer un guiño de modernidad, logra un resultado enigmático y misterioso y a la vez fascinante y adelantado.
Este trabajo es una obra maestra de principio a fin, ya sea por lo anteriormente expuesto, por la impecable producción de Alan Parsons, y en buena medida porque Wilson se ha rodeado de músicos virtuosos juntando a una formación de lujo, de la que ha sabido sacar lo mejor: Guthrie Govan (guitarra), Adam Holzman (teclados, piano), Theo Travis (saxo, flauta), Nick Beggs (bajo) y Marco Minnemann (batería).
"The Raven That Refuses to Sing (and other stories)" en palabras de Steven Wilson:
"Mientras componía el álbum estaba leyendo muchas historias de espíritus y cuentos sobrenaturales de autores británicos como M. R. James, Algernon Blackwood y toda la escuela de principios del siglo XX. Me gustaron y me encontré escribiendo algunas cosas que, incluso instrumentalmente, parecían que estaban tratando de contar algo, como que tenían una especie de narración. Y las dos ideas se juntaron: usar esa música y tomar los cuentos de fantasmas como inspiración para escribir las letras."
Luminol:
"Esta es la historia de un músico ambulante. Fue inspirada por un tipo que toca en mi ciudad. Él está ahí, en la calle, todos los días. No importa qué clima haga; siempre está ahí, tocando su guitarra acústica y cantando las mismas canciones. Nieve, lluvia, viento fuerte, nada detendrá que ocupe ese puesto. Y la cosa es que es terrible, una porquería lo que hace. No parece que mejore nada, no importa cuánto toque las mismas canciones. Yo soy uno de las muchas personas que pasan a su lado todos los días; él forma parte de la misma calle, de alguna manera. De repente se me ocurrió pensar, ¿qué pasaría si (Dios no quiera) si se cayera muerto un día en el medio de la calle? ¿La gente se daría cuenta de que ya no estaría ahí? Entonces, tuve otro pensamiento: él es la clase de persona que está tan establecida en su rutina que ni siquiera la muerte podría detenerlo. De esa manera se me ocurrió que podría caer muerto un día, pero al siguiente él estaría en el mismo lugar, tocando las mismas canciones, como lo ha hecho siempre. Esta clase de idea que alguien puede ser un fantasma en vida, tanto como un fantasma en la muerte. Alguien que es completamente ignorado incluso en su vida no llega a romper la rutina. Ésa es la historia detrás de "Luminol".
Musicalmente, se puede dividir la canción en muchas partes: riffs, armonías, melodías, ritmos. Arranca con una fuerte y excitante parte y después el tema se secciona en el medio, y a continuación le sigue la gran parte con el Mellotron. Finalmente, recapitula el comienzo. Hubo algunas cosas que cambiaron en la grabación, pero en realidad no la cambiamos mucho de cómo la tocamos en vivo. Guthrie era nuevo; él no había tocado la canción antes. Y yo no toqué mucho la guitarra. Una vez que tenés a Guthrie en la banda, das un paso atrás y decís: “Bien, no tiene sentido para mí tratar de hacer solos ahora”.
Drive Home:
"La canción está basada en una historia. El concepto es el de una pareja que conduce un auto en la noche, muy enamorados ambos; el hombre conduce, y su compañera (su esposa o novia) está en el asiento del acompañante, y de un momento a otro desaparece. El hombre enloquece: ¿Qué pasó? ¿Adónde se fue? Él hace todas las cosas obvias: mira debajo de los asientos, se detiene y mira en la ruta, todo eso. La canción trata básicamente sobre el tiempo perdido; es la idea de bloquear el tiempo a causa de algo tan traumático que literalmente lo removés de tu mente. La historia finalmente acaba con el fantasma de la acompañante que regresa, años más tarde, diciendo: “Voy a recordarte ahora qué ocurrió esa noche”. Hubo un accidente de auto tremendo, y ella murió, etc, etc. De nuevo, la idea de un trauma llevando a la pérdida de una parte de la vida del hombre. Él no puede lidiar con la realidad de lo que pasó, así que lo bloquea, es como tomar una cinta y editar una gran parte de ella. Es una muy triste y hermosa canción sobre la pérdida.
Tiene un extraordinario solo de guitarra. El modo de tocar de Guthrie es simplemente sublime. Eso, para mí, es el recuerdo que te deja esta canción. Hice un solo en el demo, sabiendo que quería un solo épico hacia el final. En el estudio, hicimos cuatro o cinco tomas, y cada vez Guthrie reinventaba la idea de lo que el solo podía ser. Fue tan inspirado y tuvo un sentido tan hermoso de lógica y capacidad de contar la historia por sí mismo. Es una toma, sin editar, y es increíblemente brillante. Y está improvisada, Guthrie no planeó nada. Fue una experiencia tan conmovedora el escucharlo tocar el solo, que casi me hizo llorar".
The Pin Drop:
"Por varias razones, ésta es una de las piezas más simples del álbum, pero fue a la vez la más difícil de hacer bien. Todo se trata de la dinámica y el sentido sostenido de tensión y relajación. Hay, realmente, uno o dos motivos musicales en la canción, así que se trata todo de la manera de estructurar las distintas capas. Hicimos más tomas con esta canción que con el resto. En cuanto a la letra, es una de dos canciones, consecutivas en el álbum, acerca de matrimonios y relaciones que van mal ("The Watchmaker" es la segunda). Ambas son canciones que tratan la idea de inercia o espacios dentro de los matrimonios; es el concepto de que podés estar con alguien porque es cómodo y conveniente, no porque exista amor o empatía. La canción está básicamente cantada por la esposa. Ella está muerta, ha sido lanzada en el río por el marido, y está flotando río abajo mientras canta, desde el más allá, desde de la tumba. Es bastante macabra. La idea es que a veces en una relación puede haber mucha tensión como resentimiento y odio callados, que la cosa más pequeña puede desencadenar un episodio violento, y en este caso, uno que termina con una tragedia. El sonido de una aguja al caer en el piso puede ser la cosa que instigue la furia.
Con esta banda, me pude concentrar más en el canto. Traté algo un poco diferente: abrí mi garganta y canté de un modo menos contenido ni controlado. Fui muy inspirado por un cantante llamado Nick Harper (que es el hijo de Roy Harper). Ambos cantan de una forma dramática que me encanta. Pensé en Nick cuando canté. Guthrie toca otro solo extraordinario hacia el final. En esta ocasión fue alimentado por un amplificador Leslie. Soy un gran fanático de los Leslies. Mucha gente los asocia con el pasado, pero yo creo que tiene un sonido atemporal. Amplificaré lo que sea a través de un Leslie: guitarras, teclados, voces. Tiene un sonido tan maravillosamente rico".
The Holy Drinker:
"Esta es casi una broma. Trata de un tipo que es muy beato, muy religioso, sermoneador. Estoy pensando en los tipos evangelistas de la televisión, tipos que les dicen a las personas que están viviendo sus vidas del mal modo y que están perdiendo algo porque no creen en Dios o lo que sea. Este hombre es también un alcohólico, el típico argumento. Él te dice que tu vida es una porquería y que sos malo, que tenés muchos vicios, mientras que él tiene muchos otros por su lado. Un día, se encuentra en un bar y desafía a un extraño al lado suyo a una competición para ver quién bebe más, sin darse cuenta de que esa persona es en realidad el Diablo. Claro, no podés derrotar al Diablo en una competencia de bebida (no podés vencerlo en nada), así que el hombre pierde. La gran ironía es que se reivindica, de alguna forma, pero de la peor manera posible. Es arrastrado al infierno. Es algo graciosa, pero la música más bien oscura. Empieza con una sección de tres minutos instrumental antes de que entre la parte vocal, y ese comienzo tiene un poco de prisa furiosa de energía. Creo que estaba pensando en Mahavishnu Orchestra cuando la escribí. Le sigue un hermoso solo en el Moog, por Adam, similar al clásico estilo de Jam Hammer, y muchos sonidos indecentes en el teclado. Me encanta la última sección, que tiene un sonido perverso. La gente piensa que es una guitarra, pero es un Fender Rhodes, conectado a un amplificador distorsionado. Muchas de estas canciones tienen diferentes motivos que surgen, y me gusta eso. Uno de los sellos de las malas bandas de rock progresivo, si puedo usar ese término (soy bastante ambivalente sobre esto) es que se trata sólo de un montón de secciones ensartadas juntas, que realmente no se asocian. Esta idea de dar gravedad y peso por medio de pedacitos encadenados, es fácil. Yo podría sacar un montón de ocurrencias que están medio formadas, ponerlas juntas a todas en un conjunto “épico” de 20 minutos y decir: “Ahora soy un artista”.
Muchas malas bandas de rock progresivo, particularmente modernas, de rock neo-progresivo, suena así para mí. Es como si no pudieran escribir una canción decente, por lo que salen con un montón de medias-ideas y las ensamblan para hacerlas sonar de manera sustancial. Eso no funciona para mí. Lo que me gusta es tener secciones floreciendo de la misma fuente musical."
The Watchmaker:
"Otra aventura. Esta es la historia del relojero, un tipo que es meticuloso en su oficio, pero que nunca tuvo ninguna clase de explosión emocional, ni expresa violencia o alguna emoción extrema, para nada. El concepto es el de una pareja que ha estado junta durante 50 años o más, principalmente porque era algo conveniente y cómodo. Hay una línea que dice algo como: “Fuiste pensado para ser temporario mientras aguardaba por algo mejor”. Así que es la idea de que ellos se juntaron solamente porque no querían estar solos, y así terminaron juntos por 50 años, aun cuando nunca hubo un sentimiento fuerte de amor entre ambos. Si lo permitís, la vida puede pasarte de lado. El tiempo marca y marca. Si no sos prudente, podés descubrir que tu vida se ha marchado, con esa idea de “Quizá lo haré algún día…” Es un sentimiento muy triste de arrepentimiento, de lo que debía y podría haber sido. A veces ese sentimiento de comodidad puede funcionar como una verdadera droga. El relojero termina matando a su esposa y enterrándola bajo las tablas del piso de su taller. Pero, claro, ella regresa, porque ha estado con él durante 50 años; no iba a dejarlo ahora. Así que de nuevo, está esta idea de la muerte no haciendo ninguna diferencia en una situación. Podés matarme, desmembrarme, enterrarme, pero aun así no me iré. Sobre el final, es muy oscuro, la esposa regresa para llevárselo con ella, algo que es muy clásico en las historias de fantasmas, en cierto sentido.
En cuanto a la música, la sección del comienzo está muy inspirada en la manera en que Genesis usaba sus guitarras acústicas en los comienzos. Nunca fui un gran fan de Genesis; nunca los escuché cuando era chico. Pero comencé a escucharlos más recientemente porque soy un buen amigo de Steve Hackett. Una cosa que adoro de sus primeros discos es el sonido como de campanadas de las guitarras acústicas de 12 cuerdas. Eso devino en la inspiración para crear The Watchmaker. Me gusta entrelazar armonías vocales, dos o tres líneas que trabajan en un contrapunto. Es algo que aprendí de tipos como Brian Wilson, así como de Crosby, Stills & Nash y de Todd Rundgren, y de todos los que tienen fabulosas multipartes armónicas.
Obtuvimos unos muy buenos graves en el disco, gracias a Alan. Hay algo como un solo de bajo en esta canción, uno que escribí y planée meticulosamente. En el pasado, no había muchas oportunidades para mí para poder explorar eso. En mi trabajo solista actual, sin embargo, me retiré de las guitarras pesadas, lo que dejó todo un espacio para cosas como teclados y sonidos de viento, así como este gran y presente sonido grave. Pienso en Geddy Lee o Chris Squire o John Entwistle".
The Raven That Refused To Sing:
"Se trata de una canción bastante sencilla, de nuevo, acerca de la pérdida y la mortalidad. Creo que hubiera sido difícil para cualquiera escribir acerca de la mortalidad sin ser, en algún grado, personal.
Así lo admitamos a nosotros mismos o no, estamos todos obsesionados con la mortalidad. Y debemos estarlo, porque sabemos que algún día dejaremos de existir. Vamos a morir. Es la única cosa que todos los humanos tenemos en común. Y posiblemente, somos la única especie en la tierra que está consciente de su propia e inminente muerte. Ésa es una carga bastante pesada para llevar con uno; y lo afecta todo en la vida.
La canción se refiere a un hombre viejo sobre el final de su vida que está aguardando la muerte. Piensa en el pasado, en su infancia cuando era extremadamente cercano a su hermana mayor. Ella lo significaba todo para él, y él era todo para ella. Desafortunadamente, ella murió cuando ambos eran muy jóvenes. No es autobiográfica; es ficción en ese sentido. Entonces el hombre está ahora en el final de su vida, y nunca ha sido capaz de formar alguna otra clase de relación. Se pasó la vida entera solo, incapaz de relacionarse con otros seres humanos.
Un cuervo comienza a visitar el jardín de este hombre, y el cuervo viene a representar un símbolo o una manifestación de su hermana. La cosa es, su hermana podía cantarle siempre que él se sentía atemorizado o inseguro, y era una calma, una influencia muy grata para él. En su ignorancia, decide que si atrapa al cuervo, éste le cantará, siendo la prueba final de que es, de hecho, su hermana que ha venido a llevárselo a la siguiente vida.
Una de las cosas con respecto a mis letras es que trato de ser simple. Lo hago con la música, también. No me gusta que las cosas sean complejas, intelectuales u obtusas sólo por la razón de serlo. Amo la simplicidad de ciertas frases. Lo realmente especial es poder decir “Te amo” de una forma nueva…es muy difícil de lograr. Hay tantos clichés. Sentirse temeroso de amar a alguien, estar enamorado de alguien…si podés encontrar la forma de que esas cosas suenen frescas nuevamente, eso es algo muy especial para hacer.
La única preocupación que tengo con todos estos muchachos, pero particularmente con Guthrie (mi nuevo guitarrista) es que es un guitarrista por demás extraordinario; es uno de esos tipos que pueden despedazar y tocar muchísimas notas. Puede pasarle el trapo a muchos otros. Me dirigí hacia él con esta canción y le dije: “¿Te parece BIEN? Te estoy pidiendo que toques dos o tres notas”. Pensé que podía ser aburrido para él. Y me respondió: “No, me encantaría hacerlo, porque esas son las tres justas notas, y es lo correcto para tocar en la canción.” Eso, para mí, fue una respuesta profunda.
Si le das a la gente algo donde la simplicidad es la conductora, y se trata todo de los sentimientos… es romper el corazón con una nota en lugar de apelar al intelecto con miles de ellas. ¡Y a la gente le encanta! Guthrie la pasó muy bien tocando esas notas, porque sentía que era lo correcto para esa pieza musical.
Lo más importante es hacer a la gente sentir, conmoverse. Es fácil acudir a su intelecto. Podría escribir algo tonto y complicado, pero lo más difícil es alcanzar el corazón y el alma del otro. Prefiero lo espiritual a lo técnico".
"La música triste, melancólica, deprimente, que es de forma un tanto perversa, me levanta. Encuentro a la música alegre extremadamente deprimente. Yo soy el tipo de persona que responde mejor a la melancolía: me hace sentir bien". Steven Wilson.
Fernando Gonzalez
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